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current works


multichannel audio-video installation by Muntendorf / Lobeck

We are companions, cum panis, at table together. (Donna Haraway)

In the German-Asian project COVERED CULTURE, Brigitta Muntendorf and Moritz Lobeck explore cultural imprints, individual interpretations and collective appropriations as potentials of the choric forms. The musical object of analysis is the humming – as sound, in its intimate and personal meaning and as a moment of levelling.

Based on fragments of Beethoven’s vocal music and his political view of the collective, Muntendorf/Lobeck develop an 8-channel audiovisual installation in which voices and images of singers of the Beijing Queer Chorus, the opera choir of Deutsches Nationaltheater Weimar and numerous singers and performers from China, Korea and Japan are established as a virtual choir. For the exhibitions in Berlin, Shanghai and Beijing the choir and the audience are connected within a table object designed by the Japanese architect KATO and prepared with exciters to form a social sculpture. On the other hand, soundwalls are part of the installations in Seoul, Tokyo and Kyoto. In this joint discovery and investigation of the unfamiliar, COVERED CULTURE follows the vision of a hyperculture and the critical questioning of hymnal celebratory cultures.

COVERED CULTURE is the first joint work by Muntendorf/Lobeck, their next project is the music theatre „MELENCOLIA“ for Ensemble Modern, commissioned by Bregenzer Festspiele 2022.

VISIT THE PROJECT WEBSITE: www.covered-culture.org


Concept, music, video: Brigitta Muntendorf 

Concept, dramaturgy: Moritz Lobeck

Design sound table: KATO Hiroshi and Giacomo Sponzilli

Light: Begoña Garcia Navas

Multichannel mix / audiodesign: Sebastian Schottke

Audio / video network system: Maximilian Estudies

Video technology / planning: Warped Type

Assistant: Nicolas Berge

Choir // solo singer: Beijing Queer ChorusOpera Choir of Deutsches Nationaltheater Weimar, Open Call Choir (self recordings of numerous people from Japan, Korea and China provided by an open call) // Shii, Menthae (Shanghai), Maki Ota (Kyoto), Esther Lee (Seoul / Berlin)

Performer:  XIAO KE x ZI HAN,  LIN CUIXI, Xinxin Song, Zhihao Huang, Jianjie Wu (Shanghai) / Ensemble Sonne: Toshiko Oka, Masaru Kakio, Seiko Kuwano, Koji Itose, Ema Fumiyama (Osaka / Kyoto)

Recording Teams: Marc Mehanni (camera) / Elsa Michanol (assistant), Day Yokota (camera)









current works

ARCHIPEL (2020/21)

Ein Spektakel der Vermischungen / a Spectacle of Blending.

for 13 musicians, 10 dancers, choir and live electronics


Künstlerische Leitung, Konzept, Komposition: Brigitta Muntendorf Künstlerische Leitung, Konzept, Choreografie: Stephanie Thiersch
Architektur: Sou Fujimoto
Dramaturgie: Stawrula Panagiotaki, Juliane Votteler
Musikalische Leitung: Mariano Chiacchiarini
Lichtdesign: Begoña Garcia Navas
Klangregie: Sebastian Schottke
Live-Elektronik / Programmierung: Maximiliano Estudies
Kostüme: Sita Messer, Lauren Steel
Choreografische Assistenz: Marcela Ruíz Quintero, Viviana Escalé,
Produktionsleitung: Harriet Lesch, littlebit GbR
Produktion: Sarah Heinrich
Technische Leitung: Gerhard Pichler
Bühnenkonstruktion: Studio Hamburg

Ensemble Garage:
Nils Kohler, Klarinetten
Carola Schaal, Klarinetten
Pablo Giw, Trompete 
Till Künkler, Posaune
Małgorzata Walentynowicz, Synthesizer 
Yuka Ohta, Perkussion
Jonathan Shapiro, Perkussion
Joss Turnbull, Perkussion
Moritz Baerens, Kontrabass 

Asasello Quartett:
Rostislav Kozhevnikov, 1. Violine
Barbara Streil, 2. Violine
Teemu Myöhänen, Cello
Justyna Śliwa, Viola

Det Norske Solistkor / The Norwegian Soloists’ Choir
Probenleitung Chor: Yuval Weinberg

Fabien Almakiewicz
Neus Barcons Roca
Alexis „Maca“ Fernández
Julien Ferranti
Kelvin Kilonzo
Gyung Moo Kim
Margaux Marielle-Tréhoüart
Alexandra Naudet
Camille Revol
Joel Suárez Gómez

Architecture, dance and music enter an entirely new alliance as a sculpture created by the Japanese architect Sou Fujimoto is on the one hand a landscape on the other it is able to produce sound as a result of the cast dancing on it. The choreography by Stephanie Thiersch and the music by Brigitta Muntendorf generate a universe in which genres mingle and become blurred: Sound is produced by movement, by touch and space, by moods and silence. We find ourselves on an archipelago of possibilities, searching for new forms of composition and communication: looking for understanding that goes beyond language and signs, further than expressions and gestures. It will be a journey towards a “togetherness”, embarking on a quest towards ancient and organic processes of understanding that challenge our powers of perception. We are all connected by links and playing, we are all searching for a different way of dealing with ourselves and with the world. The audience are also passengers on this journey. 

Architektur, Tanz und Musik gehen eine vollkommen neue Allianz ein: Die vom japanischen Architekten Sou Fujimoto geschaffene Skulptur ist einerseits Landschaft und kann zugleich Klang erzeugen, indem Tänzer*innen, Musiker*innen und Sänger*innen sich auf ihr bewegen. Die Choreografie von Stephanie Thiersch und die Musik von Brigitta Muntendorf arbeiten mit der Vermischung der Genres: Berührung und Bewegung formen Klang, wie Stimmung und Stille den Raum. Musik und Tanz entstehen gleichzeitig. Wir befinden uns in einem Archipel der Möglichkeiten, auf der Suche nach Neuem in der Komposition, Kommunikation und Verständigung, über Sprache und Zeichen hinweg, hinter Ausdruck und Geste. Es geht um die Reise zu einem „Miteinander“, um ein Erkunden von archaischen, biologischen Prozessen, die unsere Wahrnehmung herausfordern. Wir alle sind verbunden und auf der Suche nach einer anderen Form, mit Welt umzugehen: auch das Publikum wird ein Passagier dieser Reise.

Produziert von Ensemble Garage e.V. und MOUVOIR e.V.

Koproduziert von Ruhrtriennale und Ultima – Oslo Contemporary Music Festival. In Kooperation mit tanzhaus nrw. Unterstützt von Zentrum für Zeitgenössischen Tanz, Hochschule für Musik und Tanz Köln und LOFFT Leipzig

Gefördert durch BTHVN2020 – aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien des Landes Nordrhein-Westfalen, der Stadt Bonn und des Rhein-Sieg-Kreises, Kunststiftung NRW, RheinEnergieStiftung Kultur

MOUVOIR / Stephanie Thiersch erhält die Exzellenzförderung des Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen und die Konzeptionsförderung des Kulturamt der Stadt Köln.

Ensemble Garage wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.

Det Norske Solistkor / The Norwegian Soloists’ Choir wird gefördert vom Norwegischen Ministerium für Kultur. 

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Bilderschlachten – Batailles d’Images: Six moods to stand kings up

„Sechs Stimmungen, Diktatoren zu versetzen“ for dancers, string quartet, orchestra and electronics

a collaboration with Mouvoir / Stephanie Thiersch (choreography)

Choreography/Direction: Stephanie Thiersch 
Musical Direction/Composition: Brigitta Muntendorf
premiere: 09.05.2019  Théâtre de Nîmes (FR)
further performances: 10.05.2019 Théâtre de Nîmes (FR) 
21.09.2019 & 22.09.2019 Beethoven Fest Bonn
orchestra: Les Siècles
conductor: Benjamin Shwartz
Asasello Quartett: Rostislav Kozhevnikov (1. Violin), Barbara Streil (2. Violin), Teemu Myöhänen (Cello), Justyna Śliwa (Viola) 
Lightdesign: Begoña Garcia Navas
Choreography/Performance: Fabien Almakiewicz, Neus Barcons, Alexis ‚Maca’ Fernández, Julien Ferranti, Gyung Moo Kim, Alexandra Naudet, Camille Revol, Joel Suárez Gómez
Choreographic Assistance: Marcela Ruíz Quintero
Costume Design: Sita Messer
Photography: Martin Rottenkolber
Management: Tanja Baran, Béla Bisom
Production Management: Karolin Henze, Anna-Mareen Henke


The new cooperation between Brigitta Muntendorf and Stephanie Thiersch (CITY DANCE 2016, THE SPECTACLE 2020) reflects on voraciousness. What if we lose our orientation in a reference system of knownness and allow questioning the creative? In collaboration with the Asasello Quartet and the renowned French orchestra Les Siècles and 8 dancers, a ballet is born for the end of the world, a ballet noir, wildly poaching in our cultural history. The monumental and devouring as a symbol of power and patriarchy is artistically intertwined with the attempt instead of the result, with quiet resistance and relinkage to nature.

Thiersch and Muntendorf want to provoke a reflection on the state of permanent overload with “Batailles d’Images/Picture battles”. The starting point is the excellently composed quotation collection of the German composer Bernd Alois Zimmermann “Musique pour le souper du roi Ubu” (1968), a musical danger zone of excess, vulgarity and the accumulation of power. Muntendorf reflects in a prologue and an epilog the view on an orchestra as a collective and as human bodies, reflects quotation, club culture and high culture, works with the dancers as a choir and extends the string quartet with live-electronics.

Über die Musik

Warum Zimmermann?

B. A. Zimmermanns „Musique pour les soupers du Roi Ubu“ ist für mich nicht nur eines der originellsten Musikstücke, es ist zudem hoch politisch und aktueller je: denn so überfordernd und wildernd es auch daherkommen mag – es sind der Feinsinn und die Liebe zur Musik, die in jeder Note und ihrer Setzung zu finden sind. 

Mit Musique pour les soupers du Roi Ubu ist für mich das referentielle Komponieren geboren  –   mittels eines dekonstruierten Orchesters schafft Zimmermann hier ein Referenzsystem, das weit über eine Collage hinausgeht und an irgendeinem Punkt in dieser Musik, die fast ausschließlich aus Fremd-Zitaten besteht, mehr über Zimmermann und seine Zeit, als über sein Material erzählt. 

Zimmermann raubt uns den vermeintlichen Sinn, den wir uns in bekannten Musikformen für uns erhoffen

An irgendeinem Punkt gelangen wir zum „überhören“ – wir überhören das Lapidare wie das Patriarchale in der Musik, unsere Überforderung und Ermüdung lassen vorbeirauschende Fragmente von Märschen, Ouvertüren, Ohrwürmern, Auftakten und Abgesängen zu einer überkomplexen Polyphonie, vielleicht zu einer Kakophonie verschmelzen – es geschieht eine Nivellierung, die uns erst einmal etwas wegnimmt. Zimmermann raubt uns den vermeintlichen Sinn, den wir uns bekannten Musikformen für uns erhoffen. Er erzählt uns eine Geschichte darüber, dass alles, was uns einen Sinn ins Gesicht schreien will, uns gleichzeitig anlügt – denn es verschweigt, dass wir verletzlich, unbeständig, sterblich sind. 

Zimmermann lässt uns allein. 

Und wenn wir diesem Zustand des „Überhörens“ folgen und dranbleiben, dann können wir die Nivellierung plötzlich neu definieren, neu hören und zu dem eigentlichen Moment des „Überhörens“ als eine übergeordnetes Hören kommen, in dem Musik in Referenzen zu uns spricht und einen ständigen Abgleich zwischen dem, was wir kennen, mit der Situation, in der wir uns befinden und den Veränderungen, die wir in dieser Situation wahrnehmen, auseinandersetzen.

Sechs Stimmungen, Diktatoren zu versetzen / Six moods to stand kings up

In „Sechs Stimmungen, Diktatoren zu versetzen / six moods to stand kings up“ habe ich diesen Moment kompositorisch ins Zentrum gerückt und bin heute, 50 Jahre nach Musique pour les soupers du Roi Ubu, der Frage nachgegangen, der schon Zimmermann nachgegangen ist: Wie können Klang und Konnotationen, Instrumentation und Raum unser Dasein als Individuen und gemeinschaftliche Wesen erfahrbar machen und einen Dialog über Selbstbestimmtheit und Kollektiv gegenüber Macht und Ohnmacht eröffnen?

Ich habe die gleiche Besetzung wie Zimmermann verwendet – ein Orchester ohne hohe Streicher und Celli, dafür viele Blasinstrumente, die ebenso laut tönen wie sie im pianissimo wegzubrechen drohen. In der ersten Stimmung begegnen wir dem Orchester und dem Streichquartett im Raum – ebenso wie MusikerInnen im Raum verteilt sind, teilen sie den Raum mit uns. Es ist eine Utopie, die ich hier klanglich formuliere. Hierarchie als vagierender Akkord aus Klang oder Geräusch, als Einzelaktion oder Gruppenkomposition, dynamisch, stark und ebenso zerbrechlich. Die MusikerInnen sind hinter, neben, je nach Aufführungsort auch über oder unter uns. Sie reichen ihre Klänge weiter, sie folgen einem Schattendirigat, sie brechen aus, übernehmen, verweilen, bleiben zurück. Ich möchte Orchester am liebsten nur noch um mich herum hören – das möchte ich als Komponistin. Aber ich möchte vor allem, dass Hierarchie als flexibles und dynamisches System verstanden und gelebt werden kann – das möchte ich als Mensch.

Live-Elektronik und Physis

In der zweiten Stimmung „Chiral Spiral“ schält sich das Streichquartett aus dem Orchester heraus – das Streichquartett als Formation des Intimen, das anfänglich mittels Live-Elektronik und Verstärkung den Orchesterklang übertönt, vier gegen 45, sich behauptet und kurz vor Beginn des Zimmermanns eine Transformation abschließt, in der Physis und Präsenz jeglicher Verstärkung, Verklärung und Manipulation trotzt.  

Komposition als Boykott als soziales Moment

In der Mitte von Zimmermanns Roi Übu erklingt die dritte Stimmung – der Dirigent wird von einer Musikerin von seinem Platz verdrängt, das Orchester erhebt seine Stimmen, bildet Lager und lässt in der Sprachkomposition „conductus“ eine Klangkulisse zwischen Fussballstadion und Demonstration entstehen. Conductus habe ich meinem Ballett für Eleven (Ensemble Modern / Donauerschinger Musiktage 2018) entlehnt und neu bearbeitet. Mit dieser dritten Stimme wird auch Zimmermanns Komposition durchbrochen – er kann seine Musik nicht selbst durchbrechen, da der Bruch, das Fragmentarische sein Mittel ist. Er würde sich selbst seiner Maschinerie ausliefern und einverleibt werden –  das kann in diesem Fall nur ich tun, als Komponistin, die sich seinem Material zuwendet und an dieser Stelle den Bruch am Zimmermann wagt, seine Techniken auf sein Werk selbst anwendet und ihn somit auf einer Metaebene – und das ist genau so gemeint – vom Vorwurf eines weiteren Roi Ubu auf künstlerischer Ebene entlastet. Denn hier besteht ein hochspannender Konflikt, besagt Zimmermanns Partitur doch, dass in den Couplets zwischen den Sätzen keine Musik und maximal nur eine Minute Aktion stattfinden darf. Er begründet dies aber nicht. Ich hätte das sicherlich auch so gemacht, hätte mich aber gleichzeitig auch gefreut, wenn jemand dies mit einem Impetus übergeht, der meinem Anliegen folgt.

Es ist ein Schlüsselmoment in der Inszenierung von Batailles d’Images – mit dem Boykott fällt auch der Dirigent, findet sich allein auf der Bühne wieder und eine Tänzerin übernimmt das Dirigat, bevor sie durch seine Rückkehr, verdrängt oder vielleicht auch sanft beiseitegeschoben das Pult verlässt. Der Rhythmus als Keimzelle wird ab diesem Zeitpunkt von den TänzerInnen weitergetragen, wenn sie sich über Atem artikulieren und diesen zu der musikalisch-choreographische Komposition „L’état c’est moi“ steigern – polyphone Demonstration, dessen Rhythmus sich über die letzten Sätze Zimmermanns legt und ihn als Bild und Klang der eigenen Kraft überdauert. 

Ein Orchester, das aus den Körpern schallt, live und doch abgespielt

In der fünften Stimmung sind wir im Zustand der Entäußerung, wie auch Entfremdung angekommen. Bevor sich jeglicher Organismus auf der Bühne neu formieren kann, habe ich  Zitate von Zimmermann – oder sind es Zitate von Wagner, Bach & Co? – musikalischen (analogen) Verfahrensweisen unterzogen, die in der Popkultur allgegenwärtig sind– Verschnellerung, Stretching, Sampling, Looping, Mickey-Mousing, Pitch-Shifting und dementsprechend auf die Instrumente übertragen. Ein Orchester, das aus den Körpern schallt, Lip-Synced, live und doch abgespielt.

Komposition von Fähigkeiten

Ein Tänzer tritt in den Vordergrund und lässt seine Countertenor-Stimme erklingen – für ihn habe ich die folgende Monodie geschrieben, die die letzte Stimmung einleitet: Eine große Transformation von der Monodie über einen zur Ballade verklärten Punk-Song, eine Agitation des Streichquartetts bis hin zu einer Instrumentation des Trauermarsches von Chopin. Verschiedene TänzerInnen singen ihre Soli über das Lamento, auf den Leib geschrieben und kontextualisiert. Die Trennung zwischen PerformerIn und dem Menschen dahinter ist hier nicht mehr gegeben. Ganz gleich, ob in den Rhythmuskomposition vorangegangener Stimmungen, in der Ballade oder im Trauermarsch – die Stimmen der TänzerInnen sind alle in gemeinsamer Arbeit entwickelt und geformt worden. Erst dann kann die Herausforderung beginnen, erst dann kommt Gesangstraining, Sprechtraining, Artikulationstraining hinzu und gesellt sich zwischen Kompositions- und Erarbeitungsprozess.

Trauer und Klang

Der Trauermarsch von Chopin erklingt in einer klagenden und sich kontinuierlich abtragenden Instrumentation. Der Marsch verliert seine SpielerInnen und transformiert sich dadurch immer wieder in seiner Klanglichkeit, wenn die MusikerInnen nach und nach ihr Instrument beiseitelegen, den Platz verlassen und sich einer Prozession auf der Bühne anschließen.  Wenn am Ende nur noch Harfe und vier Kontrabässe übrigbleiben, die in höchsten Flageoletts die Melodie versuchen zu erhalten, kann auch das Leid in der Hervorbringung von Klang nicht mehr kaschiert werden.

Es ist der Abschied, der Verbindungen schafft, es ist die Erkenntnis, dass Bedeutungen verloren gehen, sich unaufhörlich transformieren. Beethovens Quartett der Ewigkeit, das in diesem Moment seit den 70er Jahren mit Voyager 1 und 2 im All umherfliegt und Außerirdischen einen Eindruck von der Menschheit geben soll, erklingt live-elektronisch verzerrt vom Asasello Quartett, als würde jemand einen Plattenspieler irgendwo im Raum aufgestellt haben. Vinyl ist die Sprache im Zelebrieren der Gegenwart. Fast ein Jahrhundert gehe ich zurück, um Macht und Ohnmacht über Musik und ihre Wiedergabe erfahrbar zu machen – und auch um meiner Überzeugung, Verzweiflung und gleichzeitigen Hoffnung darüber Ausdruck zu verleihen, dass „Musik-Geschichte“ als untrennbare Player im Begriff des „Contemporary“ verbunden sind.