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Elementor #3047

ELEMENTAR PIECE

Archipel / Archipelago

Spectacle of blending

WHAT WAS THIS

…there’s no separation in a world of imagined connections.

…there’s no separation in a world of imagined connections.

…there’s no separation in a world of imagined connections.

there’s no world

in a separation

of connections

what did you say?

there’s no world in a connection of a separation.

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pki-validation

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PROLOGUE

for orchestra

part of: Bilderschlachten / Batailles d’Images

instrumentation: PROLOGUE has nearly the same instrumentation as Bernd Alois Zimmermanns Musique pour les soupers du Roi Ubu. The string quartet is added – Prologue + Chiral Spiral (for string quartet and electronic) is composed as a counterpart and leads directly into Zimmermanns piece. A combination is desired, but PROLOGUE can of course be played independently.

3 (Picc), 3 (Eh), 3 (BKlar), TSax, 3 (Kfag) – 4, 3, 3, 1 – Pk, Schlg (2) – Hfe, 2Git (Md, elGit) – Klav (Cel), Org – 4Kb; Combo: Klar, Kornett, elGit, elKb + string quartet and tape (Click track for the conductor)

duration: 10 min

space: the orchestra is spread in the audience space in 7 groups, the conductor is on stage or anywhere else on the opposite side of the orchestra

recording can be downloaded, please contact the composer

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ARCHIPEL (2020/21)

Ein Spektakel der Vermischungen / a Spectacle of Blending.

for 13 musicians, 10 dancers, choir and live electronics

PREMIERE AT THE RUHRTRIENNALE (OPENING) and ULTIMA FESTIVAL OSLO (OPENING) CANCELLED. WE GO ON PRODUCING, WE SHOW OUR WORK in 2021. WATCH OUT!


Künstlerische Leitung, Konzept, Komposition: Brigitta Muntendorf Künstlerische Leitung, Konzept, Choreografie: Stephanie Thiersch
Architektur: Sou Fujimoto
Dramaturgie: Stawrula Panagiotaki, Juliane Votteler
Musikalische Leitung: Mariano Chiacchiarini
Lichtdesign: Begoña Garcia Navas
Klangregie: Sebastian Schottke
Live-Elektronik / Programmierung: Maximiliano Estudies
Kostüme: Sita Messer, Lauren Steel
Choreografische Assistenz: Marcela Ruíz Quintero, Viviana Escalé,
Produktionsleitung: Harriet Lesch, littlebit GbR
Produktion: Sarah Heinrich
Technische Leitung: Gerhard Pichler
Bühnenkonstruktion: Studio Hamburg

Ensemble Garage:
Nils Kohler, Klarinetten
Carola Schaal, Klarinetten
Pablo Giw, Trompete 
Till Künkler, Posaune
Małgorzata Walentynowicz, Synthesizer 
Yuka Ohta, Perkussion
Jonathan Shapiro, Perkussion
Joss Turnbull, Perkussion
Moritz Baerens, Kontrabass 

Asasello Quartett:
Rostislav Kozhevnikov, 1. Violine
Barbara Streil, 2. Violine
Teemu Myöhänen, Cello
Justyna Śliwa, Viola

Det Norske Solistkor / The Norwegian Soloists’ Choir
Probenleitung Chor: Yuval Weinberg

MOUVOIR:
Fabien Almakiewicz
Neus Barcons Roca
Alexis „Maca“ Fernández
Julien Ferranti
Kelvin Kilonzo
Gyung Moo Kim
Margaux Marielle-Tréhoüart
Alexandra Naudet
Camille Revol
Joel Suárez Gómez

Architecture, dance and music enter an entirely new alliance as a sculpture created by the Japanese architect Sou Fujimoto is on the one hand a landscape on the other it is able to produce sound as a result of the cast dancing on it. The choreography by Stephanie Thiersch and the music by Brigitta Muntendorf generate a universe in which genres mingle and become blurred: Sound is produced by movement, by touch and space, by moods and silence. We find ourselves on an archipelago of possibilities, searching for new forms of composition and communication: looking for understanding that goes beyond language and signs, further than expressions and gestures. It will be a journey towards a “togetherness”, embarking on a quest towards ancient and organic processes of understanding that challenge our powers of perception. We are all connected by links and playing, we are all searching for a different way of dealing with ourselves and with the world. The audience are also passengers on this journey. 

Architektur, Tanz und Musik gehen eine vollkommen neue Allianz ein: Die vom japanischen Architekten Sou Fujimoto geschaffene Skulptur ist einerseits Landschaft und kann zugleich Klang erzeugen, indem Tänzer*innen, Musiker*innen und Sänger*innen sich auf ihr bewegen. Die Choreografie von Stephanie Thiersch und die Musik von Brigitta Muntendorf arbeiten mit der Vermischung der Genres: Berührung und Bewegung formen Klang, wie Stimmung und Stille den Raum. Musik und Tanz entstehen gleichzeitig. Wir befinden uns in einem Archipel der Möglichkeiten, auf der Suche nach Neuem in der Komposition, Kommunikation und Verständigung, über Sprache und Zeichen hinweg, hinter Ausdruck und Geste. Es geht um die Reise zu einem „Miteinander“, um ein Erkunden von archaischen, biologischen Prozessen, die unsere Wahrnehmung herausfordern. Wir alle sind verbunden und auf der Suche nach einer anderen Form, mit Welt umzugehen: auch das Publikum wird ein Passagier dieser Reise.



Produziert von Ensemble Garage e.V. und MOUVOIR e.V.

Koproduziert von Ruhrtriennale und Ultima – Oslo Contemporary Music Festival. In Kooperation mit tanzhaus nrw. Unterstützt von Zentrum für Zeitgenössischen Tanz, Hochschule für Musik und Tanz Köln und LOFFT Leipzig

Gefördert durch BTHVN2020 – aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien des Landes Nordrhein-Westfalen, der Stadt Bonn und des Rhein-Sieg-Kreises, Kunststiftung NRW, RheinEnergieStiftung Kultur

MOUVOIR / Stephanie Thiersch erhält die Exzellenzförderung des Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen und die Konzeptionsförderung des Kulturamt der Stadt Köln.

Ensemble Garage wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.

Det Norske Solistkor / The Norwegian Soloists’ Choir wird gefördert vom Norwegischen Ministerium für Kultur. 

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ARABESQUE

video installation based on Ballet for Eleven

premiere: 1st of March 2020, Cresc Festival Ensemble Modern

performer: Ensemble Modern

duration: infinite – 8min video in loop

presentation: one big screen, one room, stereo sound

video, direction, music: Brigitta Muntendorf

recording, camera: Warped Type

costume: Sita Messer

Video

about

ARABESQUE (2020) is an audio video installation based on video recordings made in the context of Ballet for Eleven for 11 musicians, video and live-electronics (premiere 2018 / Donaueschingen Musiktage / ensemble modern).

The video installation is independent of the live performance and, on a reduced visual and musical level, questions the self about loss, about the longing for presence and the resulting distances. The musicians squirm or persist in figurativeness, the question of the instrument is existential – just as the instrument is a symbol for translation and translates breath, body and expression into music, the resulting images are silent sequences of movements that seek to reclaim this breath, body and expression.

über

Die Videoinstallation ist unabhängig von der Live-Aufführung und befragt auf reduzierter bildlicher und musikalischer Ebene das Selbst nach Verlust, nach der Sehnsucht nach Anwesenheit und entstehende Distanzen. Die Musiker winden sich oder verharren in Figürlichkeit, die Frage nach dem Instrument ist existentiell – so, wie das Instrument ein Sinnbild für die Übersetzung ist und Atem, Körper und Ausdruck in Musik überträgt, sind die entstehenden Bilder stille Sequenzen von Bewegungen, die sich diesen Atem, Körper und Ausdruck zurückerobern möchten.

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THEATRE OF ECHO

Watch online till 25.04.2020

Online Stream of all three videos / WDR.de

45min audio visual concert installation for multichannel video/audio based on „Trilogy for two pianos“/“Trilogie für zwei Flügel

premiere: N.N. (24.04.20) Wittener Tage für Neue Kammermusik – exhibition version cancelled // Online Stream of the videos on WDR3

exhibition conditions: 2-3 glas cabinets / glass coffins placed on the floor with 2-3 screens inside (3x180cm) (provided by the artist), 5.1 multichannel audio system

performer: GrauSchumacher Piano Duo

duration: 45 min / concert installation, defined beginning, defined ending

commissioned by: Wittener Tage für Neue Kammermusik, supported by Kunststiftung NRW

about Theatre of Echo

Brigitta Muntendorf Theatre of Echo, Theater des Nachhalls, GrauSchumacher Piano Duo

Trilogy for two pianos/Trilogie für zwei Flügel played live, is both music and narrative, a theatre of listening that makes transience and unstoppability tangible. The work transcends the boundaries of scene, concert and radio. Additional video material opens up a whole new dimension: the audiovisual installation „Theatre of Echo“ is the logical continuation of the concert situation. The gestures anchored in the composition are enlarged, transformed and removed from their context, spun further and reappear in idiosyncratic, alien and fictional situations.

While the music can be heard as a 5.1 surround mix, the audience wanders through a room with 3 glass cabinets on white pedestals on the floor. These showcases each contain 180cmx70cm screens on which the videos can be viewed from a bird’s eye view; a mirrored back wall blurs the boundaries to the room. The showcases are reminiscent of glass coffins as well as museum showcases.
All films are shown simultaneously, so the audience does not know which of the three videos is intended for which set. The play with synchronicities between music and image can only be guessed at at the end through the musical connections – therefore, since the music cannot tell without its live performers, which gesture (e.g. the slap on the chest to trigger a contact microphone, a slow waving to the audience as the end point of a gesture of tension) evokes a certain sound or silence.
This concert installation has a beginning and an echo, the audience can take a seat on benches, change position, keep distance from each other, depending on the room design.



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THEATRE OF ECHO – THEATER DES NACHHALLS

Watch online till 25.04.2020

Online Stream of all three videos / WDR.de

45min audio visual concert installation for multichannel video/audio based on „Trilogy for two pianos“/“Trilogie für zwei Flügel“

premiere: N.N. (24.04.20) Wittener Tage für Neue Kammermusik – exhibition version cancelled // Online Stream of the videos on WDR3

exhibition conditions: 2-3 glas cabinets / glass coffins placed on the floor with 2-3 screens inside (3x180cm) (provided by the artist), 5.1 multichannel audio system

performer: GrauSchumacher Piano Duo

duration: 45 min / concert installation, defined beginning, defined ending

commissioned by: Wittener Tage für Neue Kammermusik, supported by Kunststiftung NRW

about Theatre of Echo / Theater des Nachhalls

Brigitta Muntendorf Theatre of Echo, Theater des Nachhalls, GrauSchumacher Piano Duo

Trilogy for two pianos/Trilogie für zwei Flügel played live, is both music and narrative, a theatre of listening that makes transience and unstoppability tangible. The work transcends the boundaries of scene, concert and radio. Additional video material opens up a whole new dimension: the audiovisual installation „Theatre of Echo“ is the logical continuation of the concert situation. The gestures anchored in the composition are enlarged, transformed and removed from their context, spun further and reappear in idiosyncratic, alien and fictional situations.

While the music can be heard as a 5.1 surround mix, the audience wanders through a room with 3 glass cabinets on white pedestals on the floor. These showcases each contain 180cmx70cm screens on which the videos can be viewed from a bird’s eye view; a mirrored back wall blurs the boundaries to the room. The showcases are reminiscent of glass coffins as well as museum showcases.
All films are shown simultaneously, so the audience does not know which of the three videos is intended for which set. The play with synchronicities between music and image can only be guessed at at the end through the musical connections – therefore, since the music cannot tell without its live performers, which gesture (e.g. the slap on the chest to trigger a contact microphone, a slow waving to the audience as the end point of a gesture of tension) evokes a certain sound or silence.
This concert installation has a beginning and an echo, the audience can take a seat on benches, change position, keep distance from each other, depending on the room design.



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SONGS OF REBELLION

Songs_of_Rebellion_FrontMit SONGS OF REBELLION setzen sich Brigitta Muntendorf (Komposition) und Michael Höppner (Regie) gemeinsam mit MusikerInnen des Ensemble Garage, Opera Lab und mit der Performern und Klarinettistin Carola Schaal als Community of Practice der individuellen und kollektiven Kraft des Songs aus und inszenieren seine ambivalente Beziehung zu vielfältigen Formen des Aufbegehrens. Als Genre wie als kulturelles Phänomen, als Spiegelbild und Matrix des Sozialen, als Keimzelle musikalischer Expressivität und musiktheatralischer Performativität steht der Protestsong im Zentrum dieser Bühnenperformance.

In einem dreiwöchigen Probenprozess mit den MusikerInnen, den Videokünstlern von Warped Type (Andreas Huck und Roland Nebe), dem Klangregisseur Maximilian Estudies sowie der Bühnen- und Kostümbildnerin Jule Saworski entwickelt das Duo Muntendorf/Höppner unterschiedliche Formate und Szenen, in denen das paradoxe Wesen der Rebellion und deren Bühne musikalisch, medial und szenisch entfaltet werden.Das widersprüchliche, widerständig-angepasste, vergängliche oder sogar verlorene Dasein des Protestsongsals Aufputschmittel, Kult, Mythos, Widerstandsgeste oder Partymusik lässt diesen speziellen Songtypus ebenso unsterblich wie unendlich verletzlich erscheinen. SONGS OF REBELLION lässt einen Erlebnisraum musikalischer, theatralischer und medialer Schaltstellen von Widerstand und Hingabe entstehen, in dem Weltflucht und Agitation, Kunst und Politik, Neue Musik und Pop, Kontemplation und Aktion zu jeder Zeit Fanfare als auch Schlaflied der Rebellion sein können.

SONGS OF REBELLION erlebt seine Premiere bei BAM! – Berliner Festival für aktuelles Musiktheater und startet dann eine Tour über Athen (ONASSIS CENTER), Huddersfield Contemporary Music Festival, ULTIMA Festival Oslo und Musica Strasbourg.

KOMPOSITION: Brigitta Muntendorf / INSZENIERUNG: Michael Höppner / BÜHNE, KOSTÜME, MASKENBAU: Jule Saworski / VIDEO: Warped Type (Andreas Huck und Roland Nebe) /KLANGREGIE: Maximilian Estudies / TECHNISCHE PRODUKTIONSLEITUNG, LICHT: Lukas Becker MIT: Carola Schaal (Klarinette, Performance), Till Künkler (Posaune, Performance), Louis Bona (Bratsche, Performance), Malgorzata Walentynowicz (Synthesizer, Performance), Evdoxia Filippou (Percussion, Performance), Brigitta Muntendorf (Performance), Michael Höppner (Performance)

Uraufführung: 27.9. 19:30 und 28.9. 17:00  beim „BAM! – Berliner Festival für aktuelles Musiktheater“ am Ballhaus Ost (Pappelallee 15, 10437 Berlin)
Weitere Aufführungen: 29.2. 2020 am „Onassis Cultural Centre Athens”,   2.–7. Juli 2020 bei „Time of Music“ in Viitasaari/Finnland, September 2020 bei “Ultima. Oslo Contemporary Music Festival“ in Oslos/Norwegen, 29.9.-3.10. bei „Festival Musica” in Strasbourg/Frankreich, 2.–10. November 2020 bei „November Music” in Herzogenbosch/Niederlande, 20.–29. November 2020 beim „Huddersfield Contemporary Music Festival” in Huddersfield/UK

Eine Produktion von BAM! – Berliner Festival für aktuelles Musiktheater, Ultima Oslo Contemporary Music Festival und Onassis Cultural Centre Athens. Gefördert durch die Kunststiftung NRW. BAM! – ist eine Veranstaltung des ZMB – Zeitgenössisches Musiktheater Berlin e.V. in Kooperation mit Volksbühne, Acker Stadt Palast, Ballhaus Ost, Kultur Büro Elisabeth und Operadagen Rotterdam. Gefördert durch die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa (Spartenoffene Förderung), den Dutch Performing Arts Fund und die Rudolf Augstein Stiftung.

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HandleMe – Ntandathu

for ensemble & electronics

a spacial and performative exploration based on the audio track „Natandathu“ by Electric Indigo (51195913 live)

premiere: 29.08.2018 Ruhrtriennale | Maschinenhaus Essen
direction: Brigitta Muntendorf

performer: Ensemble Garage & Electric Indigo / Tanzkreis der Nikolai Kirchengemeinde (2019/Kunstfestspiele Herrenhausen)
duration: 8 min
commissioned by Ruhrtriennale

instrumentation: flute (+picc), clarinet, alto saxophone, trombone, synthesizer, percussion, violin, viola, violoncello
technical set: Stereo PA / Amplification / Synth: Kontakt Library
score/electronics: contact me

connected to: often played together with „TRE’SPACIAL„, based on the track „Trois“ by Electric Indigo

about

Tre’Spacial and HandleMe are two pieces for ensemble and electronics developed on the basis of two tracks by the Vienna based Techno Sound Artist Electric Indigo. Brigitta Muntendorf created new syntheses from instrumental and electronic soundscapes and worked on Electric Indigos tracks in thinking of spacial and acoustic extension. HandleMe creates a combination of analog instruments and electronic experimental Techno sound – a broken sarabande as a piece of music from ancient times, a viola solo behind a bass line and a distorted baroque manner are set next to a straight beat. Brigitta Muntendorf follows the idea of music as a gate to the pure idea of pluralism and integration of every kind of existences. For the Kunstfestspiele Herrenhausen (2019) she staged the piece with a senior dance group and a singer in the audience (Agnes Lipka).

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Bilderschlachten – Batailles d’Images: Sechs Stimmungen, Diktatoren zu versetzen

„Six moods to stand kings up“ für Tänzer, Streichquartett, Orchester, Zuspielung & Live-Elektronik

eine Zusammenarbeit mit Mouvoir / Stephanie Thiersch (Choreographie)

Die neue Zusammenarbeit zwischen Stephanie Thiersch und Brigitta Muntendorf (CITY DANCE 2016, THE SPECTACLE 2020) setzt sich mit der Gefräßigkeit unserer Zeit auseinander. Was passiert, wenn die Frage nach den Verhältnismäßigkeiten, nach dem wie viel und wie wenig nicht mehr zu beantworten ist? Wenn wir in einem Referenzsystem von Bekanntem die Orientierung verlieren und das Schöpferische in Frage stellen? In Zusammenarbeit mit dem Asasello Quartett und dem renommierten französischen Orchester Les Siècles und 8 TänzerInnen entsteht ein Ballett zum Ende der Welt, ein ballet noir, das zügellos in unserer Kulturgeschichte wildert. Das Monumentale und Verschlingende als Sinnbild für Macht und Patriarchat wird künstlerisch mit dem Versuch anstelle des Resultats, mit dem stillen, leisen Widerständigen verflochten.

Thiersch und Muntendorf wollen mit „Bilderschlachten“ ein Nachdenken über den Zustand permanenter Überladung provozieren. Ausgangspunkt ist die exzellent komponierte Zitatenansammlung des Komponisten Bernd Alois Zimmermann „Musique pour le souper du roi Ubu“ von 1968, ein musikalischer Gefahrenraum der Maßlosigkeit, des Vulgären und der Machtanhäufung. In einem neuen Prolog und Epilog Brigitta Muntendorfs betrachtet sie das System Orchester nicht als hierarchisches, sondern kollektives Prinzip. Mit Tänzern erarbeitet sie polyphone Proteschöre und setzt sie als Chor ein, das Asasello Quartet agiert performativ und in Wechselspiel mit Live-Elektronik.

Über die Musik

Warum Zimmermann?

B. A. Zimmermanns „Musique pour les soupers du Roi Ubu“ ist für mich nicht nur eines der originellsten Musikstücke, es ist zudem hoch politisch und aktueller je: denn so überfordernd und wildernd es auch daherkommen mag – es sind der Feinsinn und die Liebe zur Musik, die in jeder Note und ihrer Setzung zu finden sind. 

Mit Musique pour les soupers du Roi Ubu ist für mich das referentielle Komponieren geboren  –   mittels eines dekonstruierten Orchesters schafft Zimmermann hier ein Referenzsystem, das weit über eine Collage hinausgeht und an irgendeinem Punkt in dieser Musik, die fast ausschließlich aus Fremd-Zitaten besteht, mehr über Zimmermann und seine Zeit, als über sein Material erzählt. 

Zimmermann raubt uns den vermeintlichen Sinn, den wir uns in bekannten Musikformen für uns erhoffen

An irgendeinem Punkt gelangen wir zum „überhören“ – wir überhören das Lapidare wie das Patriarchale in der Musik, unsere Überforderung und Ermüdung lassen vorbeirauschende Fragmente von Märschen, Ouvertüren, Ohrwürmern, Auftakten und Abgesängen zu einer überkomplexen Polyphonie, vielleicht zu einer Kakophonie verschmelzen – es geschieht eine Nivellierung, die uns erst einmal etwas wegnimmt. Zimmermann raubt uns den vermeintlichen Sinn, den wir uns bekannten Musikformen für uns erhoffen. Er erzählt uns eine Geschichte darüber, dass alles, was uns einen Sinn ins Gesicht schreien will, uns gleichzeitig anlügt – denn es verschweigt, dass wir verletzlich, unbeständig, sterblich sind. 

Zimmermann lässt uns allein. 

Und wenn wir diesem Zustand des „Überhörens“ folgen und dranbleiben, dann können wir die Nivellierung plötzlich neu definieren, neu hören und zu dem eigentlichen Moment des „Überhörens“ als eine übergeordnetes Hören kommen, in dem Musik in Referenzen zu uns spricht und einen ständigen Abgleich zwischen dem, was wir kennen, mit der Situation, in der wir uns befinden und den Veränderungen, die wir in dieser Situation wahrnehmen, auseinandersetzen.

Sechs Stimmungen, Diktatoren zu versetzen / Six moods to stand kings up

In „Sechs Stimmungen, Diktatoren zu versetzen / six moods to stand kings up“ habe ich diesen Moment kompositorisch ins Zentrum gerückt und bin heute, 50 Jahre nach Musique pour les soupers du Roi Ubu, der Frage nachgegangen, der schon Zimmermann nachgegangen ist: Wie können Klang und Konnotationen, Instrumentation und Raum unser Dasein als Individuen und gemeinschaftliche Wesen erfahrbar machen und einen Dialog über Selbstbestimmtheit und Kollektiv gegenüber Macht und Ohnmacht eröffnen?

Ich habe die gleiche Besetzung wie Zimmermann verwendet – ein Orchester ohne hohe Streicher und Celli, dafür viele Blasinstrumente, die ebenso laut tönen wie sie im pianissimo wegzubrechen drohen. In der ersten Stimmung begegnen wir dem Orchester und dem Streichquartett im Raum – ebenso wie MusikerInnen im Raum verteilt sind, teilen sie den Raum mit uns. Es ist eine Utopie, die ich hier klanglich formuliere. Hierarchie als vagierender Akkord aus Klang oder Geräusch, als Einzelaktion oder Gruppenkomposition, dynamisch, stark und ebenso zerbrechlich. Die MusikerInnen sind hinter, neben, je nach Aufführungsort auch über oder unter uns. Sie reichen ihre Klänge weiter, sie folgen einem Schattendirigat, sie brechen aus, übernehmen, verweilen, bleiben zurück. Ich möchte Orchester am liebsten nur noch um mich herum hören – das möchte ich als Komponistin. Aber ich möchte vor allem, dass Hierarchie als flexibles und dynamisches System verstanden und gelebt werden kann – das möchte ich als Mensch.

Live-Elektronik und Physis

In der zweiten Stimmung „Chiral Spiral“ schält sich das Streichquartett aus dem Orchester heraus – das Streichquartett als Formation des Intimen, das anfänglich mittels Live-Elektronik und Verstärkung den Orchesterklang übertönt, vier gegen 45, sich behauptet und kurz vor Beginn des Zimmermanns eine Transformation abschließt, in der Physis und Präsenz jeglicher Verstärkung, Verklärung und Manipulation trotzt.  

Komposition als Boykott als soziales Moment

In der Mitte von Zimmermanns Roi Übu erklingt die dritte Stimmung – der Dirigent wird von einer Musikerin von seinem Platz verdrängt, das Orchester erhebt seine Stimmen, bildet Lager und lässt in der Sprachkomposition „conductus“ eine Klangkulisse zwischen Fussballstadion und Demonstration entstehen. Conductus habe ich meinem Ballett für Eleven (Ensemble Modern / Donauerschinger Musiktage 2018) entlehnt und neu bearbeitet. Mit dieser dritten Stimme wird auch Zimmermanns Komposition durchbrochen – er kann seine Musik nicht selbst durchbrechen, da der Bruch, das Fragmentarische sein Mittel ist. Er würde sich selbst seiner Maschinerie ausliefern und einverleibt werden –  das kann in diesem Fall nur ich tun, als Komponistin, die sich seinem Material zuwendet und an dieser Stelle den Bruch am Zimmermann wagt, seine Techniken auf sein Werk selbst anwendet und ihn somit auf einer Metaebene – und das ist genau so gemeint – vom Vorwurf eines weiteren Roi Ubu auf künstlerischer Ebene entlastet. Denn hier besteht ein hochspannender Konflikt, besagt Zimmermanns Partitur doch, dass in den Couplets zwischen den Sätzen keine Musik und maximal nur eine Minute Aktion stattfinden darf. Er begründet dies aber nicht. Ich hätte das sicherlich auch so gemacht, hätte mich aber gleichzeitig auch gefreut, wenn jemand dies mit einem Impetus übergeht, der meinem Anliegen folgt.

Es ist ein Schlüsselmoment in der Inszenierung von Batailles d’Images – mit dem Boykott fällt auch der Dirigent, findet sich allein auf der Bühne wieder und eine Tänzerin übernimmt das Dirigat, bevor sie durch seine Rückkehr, verdrängt oder vielleicht auch sanft beiseitegeschoben das Pult verlässt. Der Rhythmus als Keimzelle wird ab diesem Zeitpunkt von den TänzerInnen weitergetragen, wenn sie sich über Atem artikulieren und diesen zu der musikalisch-choreographische Komposition „L’état c’est moi“ steigern – polyphone Demonstration, dessen Rhythmus sich über die letzten Sätze Zimmermanns legt und ihn als Bild und Klang der eigenen Kraft überdauert. 

Ein Orchester, das aus den Körpern schallt, live und doch abgespielt

In der fünften Stimmung sind wir im Zustand der Entäußerung, wie auch Entfremdung angekommen. Bevor sich jeglicher Organismus auf der Bühne neu formieren kann, habe ich  Zitate von Zimmermann – oder sind es Zitate von Wagner, Bach & Co? – musikalischen (analogen) Verfahrensweisen unterzogen, die in der Popkultur allgegenwärtig sind– Verschnellerung, Stretching, Sampling, Looping, Mickey-Mousing, Pitch-Shifting und dementsprechend auf die Instrumente übertragen. Ein Orchester, das aus den Körpern schallt, Lip-Synced, live und doch abgespielt.

Komposition von Fähigkeiten

Ein Tänzer tritt in den Vordergrund und lässt seine Countertenor-Stimme erklingen – für ihn habe ich die folgende Monodie geschrieben, die die letzte Stimmung einleitet: Eine große Transformation von der Monodie über einen zur Ballade verklärten Punk-Song, eine Agitation des Streichquartetts bis hin zu einer Instrumentation des Trauermarsches von Chopin. Verschiedene TänzerInnen singen ihre Soli über das Lamento, auf den Leib geschrieben und kontextualisiert. Die Trennung zwischen PerformerIn und dem Menschen dahinter ist hier nicht mehr gegeben. Ganz gleich, ob in den Rhythmuskomposition vorangegangener Stimmungen, in der Ballade oder im Trauermarsch – die Stimmen der TänzerInnen sind alle in gemeinsamer Arbeit entwickelt und geformt worden. Erst dann kann die Herausforderung beginnen, erst dann kommt Gesangstraining, Sprechtraining, Artikulationstraining hinzu und gesellt sich zwischen Kompositions- und Erarbeitungsprozess.

Trauer und Klang

Der Trauermarsch von Chopin erklingt in einer klagenden und sich kontinuierlich abtragenden Instrumentation. Der Marsch verliert seine SpielerInnen und transformiert sich dadurch immer wieder in seiner Klanglichkeit, wenn die MusikerInnen nach und nach ihr Instrument beiseitelegen, den Platz verlassen und sich einer Prozession auf der Bühne anschließen.  Wenn am Ende nur noch Harfe und vier Kontrabässe übrigbleiben, die in höchsten Flageoletts die Melodie versuchen zu erhalten, kann auch das Leid in der Hervorbringung von Klang nicht mehr kaschiert werden.

Es ist der Abschied, der Verbindungen schafft, es ist die Erkenntnis, dass Bedeutungen verloren gehen, sich unaufhörlich transformieren. Beethovens Quartett der Ewigkeit, das in diesem Moment seit den 70er Jahren mit Voyager 1 und 2 im All umherfliegt und Außerirdischen einen Eindruck von der Menschheit geben soll, erklingt live-elektronisch verzerrt vom Asasello Quartett, als würde jemand einen Plattenspieler irgendwo im Raum aufgestellt haben. Vinyl ist die Sprache im Zelebrieren der Gegenwart. Fast ein Jahrhundert gehe ich zurück, um Macht und Ohnmacht über Musik und ihre Wiedergabe erfahrbar zu machen – und auch um meiner Überzeugung, Verzweiflung und gleichzeitigen Hoffnung darüber Ausdruck zu verleihen, dass „Musik-Geschichte“ als untrennbare Player im Begriff des „Contemporary“ verbunden sind.

Choreography/Direction: Stephanie Thiersch 
Musical Direction/Composition: Brigitta Muntendorf
premiere: 09.05.2019  Théâtre de Nîmes (FR)
further performances: 10.05.2019 Théâtre de Nîmes (FR) 
21.09.2019 & 22.09.2019 Beethoven Fest Bonn
orchestra: Les Siècles
conductor: Benjamin Shwartz
Asasello Quartett: Rostislav Kozhevnikov (1. Violin), Barbara Streil (2. Violin), Teemu Myöhänen (Cello), Justyna Śliwa (Viola) 
Light design: Begoña Garcia Navas
Choreography/Performance: Fabien Almakiewicz, Neus Barcons, Alexis ‚Maca’ Fernández, Julien Ferranti, Gyung Moo Kim, Alexandra Naudet, Camille Revol, Joel Suárez Gómez
Choreographic Assistance: Marcela Ruíz Quintero
Costume Design: Sita Messer
Photography: Martin Rottenkolber
Management: Tanja Baran, Béla Bisom
Production Management: Karolin Henze, Anna-Mareen Henke

CREDITS

In Koproduktion mit: 
Théâtre de Nîmes (F)
Beethovenfest Bonn
tanzhaus nrw Düsseldorf
ensemblenetzwerk Freihandelszone

Rezensionen / Presse